Nuevos discos y canciones colombianas: febrero de 2022

Colombia sigue en un momento político inquietante de cara a las próximas elecciones presidenciales. Conforme avanzan las campañas para las consultas internas de los partidos y movimientos, el país retoma su narrativa dividida que denota la enorme brecha social que se vive en su geografía. Mientras tanto, un juez absolvió al baterista de Tr3s de Corazón, Andrés Felipe Muñoz, por haber interrumpido el embarazo de su amante años atrás al darle, sin su consentimiento, un químico abortivo. Hace algunos la precandidata Ingrid Betancourt habló en un debate público sobre “las mujeres que se hacen violar”, poniendo el peso retórico, de nuevo, en la víctima. Asimismo, aparecen nuevas denuncias de violencia sexual en colegios de la capital colombiana. Sin embargo, en ese ámbito, el fallo histórico en torno a la despenalización del aborto equilibra un poco la balanza en asuntos de género en Colombia. El país se prepara para una temporada de conciertos en marzo que incluye la primera visita de Los Blenders en Bogotá y Medellín, el polémico Festival Jamming, una nueva presentación de Marky Ramone, la llegada de Miley Cyrus y, por fin, el Estéreo Picnic 2022. A pesar del mainstream y la política, la música independiente continúa avanzando y esta semana que pasó no fue la excepción. Aquí algunos de los lanzamientos que tuvimos este febrero en Colombia.

Margarita siempre viva – “Fractal”

“Fractal”, compuesta en honor a la compañía felina de los hermanos Velásquez Cano, es un viaje cargado de sonidos nostálgicos empapados de un acentos lóbregos, una suerte de elegía delicada sobre sintetizadores. “Fractal” da origen al recuerdo de las conexiones entre el hombre y su frecuencia, entre todos los atardeceres y quien observa como la vida misma es un fractal, y como él mismo puede tener cualquier forma, yendo así a la combinación entre el amor, los ciclos del día, la quietud y la espera. La experiencia humana se repite a diferentes escalas en un viaje geométrico que nos permite reflexionar sobre los ciclos de nuestra existencia, amplificando o disminuyendo en intensidad, pero no en sentido. Para la banda, el fractal se convierte en metáfora de vida y movimiento, un objeto mágico que recompensa a quien sabe observarlo y encontrarlo en medio del ruido.

REDNBLUE – “Adentro mío”

La artista colombo-chilena regresa con su primer sencillo de 2022, una composición en su idioma en la que reflexiona sobre el amor propio, el lugar de paz que somos nosotros mismos y la necesidad de encontrar el sosiego a partir de nuestra propia experiencia vital. Es un viaje sonoro que comienza de manera introspectiva entre ecos y atmósferas hipnóticas para luego sumar pistas prestadas del dancehall club, lo que convierte a la composición en un viaje poderoso por la sensibilidad de la artista. “Adentro mío” duró casi dos años componiéndose y nace de un viaje que REDNBLUE realizó por Europa para estudiar. Allí encontró que todo cuanto necesitaba estaba dentro de sí misma, empezando un proceso de limpieza interna para despegarse de su pasado y construir un nuevo camino que transita con calma y honestidad. Luisa Quiroga demuestra con su proyecto solista que es una artista versátil que no precisa de un género particular para construir canciones íntimas y emotivas.

La banda del bisonte – “El desierto”

“‘El desierto’ es una canción que simboliza el encuentro con alguien de una manera sentimental que aparece como un espejismo o un sueño. Son encuentros efímeros que uno establece con ciertas personas que luego desaparecen, pero se quedan en forma de paisaje”, dice Daniel Betancur, guitarrista y vocalista de la banda de Medellín. Así, La banda del bisonte retrata esa figura ancla que a veces se aparece en nuestro trasegar para darle algo de sentido a una existencia anodina e incierta. En “El desierto” los paisas demuestran cuánto han crecido como agrupación, mostrando una evolución en su sonido que los enmarca en un nuevo momento creativo lleno de colores y texturas oníricas. La Banda del Bisonte expone nuevos estados de experimentación con letras y ensambles sonoros de sintetizadores y guitarras caracterizadas por su sonido danzante,  que oscila entre la integración y la fragmentación sonora, un ida y vuelta, entre pregunta y respuesta que en palabras de  Miguel Espitaleta, bajista de la banda, dice haber logrado una nueva experiencia  y espera que tanto sus seguidores como los nuevos “puedan llegar a sentir lo que sentimos nosotros cuando hicimos la canción, conscientes de una nueva era de la banda, mucho más enérgica, madura y con la misma sensibilidad artística”.

Tellüric – “Rojo Dalila”

Después de presentar el videoclip de “Epicentro” como parte de la campaña de lanzamiento de 1 y el videoclip de “Lava”, Tellüric regresa con el audiovisual de “Rojo Dalila”, último sencillo del EP 1 en forma de un videoclip dirigido por Germán Prieto entre Canadá y Colombia, protagonizado por la bailarina japonesa Yui Ugai. “‘Rojo Dalila’ fue evolucionando con la idea inicial de rodar todo el video desde Toronto, la ciudad en donde vivo, representando lo que percibí de la canción a través de la danza, combinando elementos del teatro Butoh japonés y la Danza Contemporánea”, explica el director colombiano. “Yui Ugai era la persona indicada para ser la bailarina del video por sus raíces y su experiencia en estas áreas. Inicialmente queríamos hacer todo en invierno para transmitir el frío de esta temporada con la música, pero nos dimos cuenta de que grabando en el verano podríamos contrastar y profundizar más en la canción”. La danza de Ugai inyecta al audiovisual con una fuerza telúrica y dinámica que se complementa con la presencia oscura masculina de los integrantes de la banda tocando en un espacio artificial cargado de sombras que contrasta con la blanca nieve canadiense. “Rojo Dalila” consagra también el interés de la banda por conectar con la feminidad desde diferentes perspectivas. Más allá de la naturaleza como una fuerza femenina, la narrativa visual del videoclip encarnado en la figura de Ugai pone en tensión el equilibrio vital, haciendo énfasis en los ciclos del mundo natural como una fuerza que renace y languidece debido al movimiento de la tierra alrededor del sol.

Hipsum – Hipsum

Hipsum es un proyecto que nace en Medellín en 2017 de la necesidad de representar pensamientos, emociones e influencias musicales de sus integrantes Kevin (voz y guitarra), Juan Esteban (guitarra), Felipe (bajo) y Miguel (batería). Sus principales influencias son el  post punk, el dream pop y el shoegaze, géneros que transitan con facilidad y con los que construyen un sonido propio.  En sus canciones, Hipsum busca expresar y sanar sentimientos que por lo general se guardan en lo profundo como las tristezas, las frustraciones y las melancolías. Después de su álbum de 2020, la banda regresa con un disco autotitulado lóbrego y pesado en melancolía, aunque con momentos más cercanos al rock tradicional. Es un trabajo que aborda el estado de mente alterada por el alcohol en donde surgen lapsos de sentimientos de confusión (Difusos), introspección (Introspección de una mente encontrada) y frustración (Terco corazón triste); pasando incluso por un ataque cardíaco debido al estrés (Suave aturdimiento).”Con este álbum queremos mostrar otro estado de consciencia y pensamientos inducidos por el alcohol. De igual manera, presentar la madurez musical y de producción que se ha adquirido en los últimos años”, comenta la banda.

Nicolás y los fumadores – Dios y la mata de lulo o ¿qué hacer en caso de que haya perdido la luz?

Nicolás y los fumadores crearon una escena para ellos solos y, sorprendentemente, lanzaron su disco frente a un público que se sabía de pies a cabeza todas y cada una de sus canciones. Para un debut discográfico en una escena tan limitada como la alternativa bogotana es un hito, más aún el llegar tan lejos en la escena independiente. Como pez en el hielo los convirtió en una de las bandas principales de la alternativa bogotana, haciéndose un nombre en la industria musical colombiana y manteniendo una independencia importante en el que su sonido nace de su propia inspiración, sin pararle muchas bolas a lo que los mercados globales ordenan. Se puede decir que desde 2018 la banda ha liderado un proceso en torno a la movida alternativa colombiana, sirviendo como punta de lanza con bandas como Las Yumbeñas y Aguas Ardientes para que más personas escuchen música independiente colombiana. Ahora, después de haber lanzado varios adelantos de manera espaciada, la banda bogotana regresa con un disco en el que se permite explorar nuevos sonidos y ahondar en su propuesta poética y estética. Es un disco rico en texturas que los lleva más lejos de lo que esperábamos, motivo de celebración para la alternativa colombiana.

Hannah Lee y El León Pardo – ¿Y qué es el sol para ellos sino algo que produce sombras?

Jorge Emilio Pardo nació en Cartagena bajo un sol ardiente y el sonido de instrumentos de vientos. Desde muy pequeño se interesó por el saxofón, aunque terminase interpretando la trompeta por una cuestión azarosa que lo llevaría al instrumento con el que se hizo famoso junto a proyectos como Velandia y la Tigra u Ondatrópica. Luego llegaría a las gaitas, por herencia de su madre oriunda del departamento de Bolívar. Aunque su título es en trompeta clásica y composición sinfónica, el León Pardo ha sabido darle la vuelta a su educación, construyendo una propuesta sólida y un sonido único que ha transgredido las formas interpretativas de su instrumento insigne. A través de sus esfuerzos y exploraciones la trompeta cobra una vida única, ríe o llora con una personalidad propia, conmueve o invita al baile con emoción y desparpajo. Ahora, el músico de vientos, pues también incorpora la gaita indígena en su propuesta, une esfuerzos con la productora y artista sonora Hannah Lee para un EP con la duración de un disco que divide su título en dos canciones de igual longitud. Es un esfuerzo maravilloso e introspectivo que nos sumerge en una dimensión novedosa de las músicas autóctonas del territorio latinoamericano. Un bellísimo ejercicio de arte sonoro.

Melov y Juan Astronauta – Máquina Ying Yang

Máquina Yin Yang es un disco colaborativo de Pablo Melo Villegas (Melov) y Juan Antonio Murillo (Juan Astronauta) que presenta diez canciones que hablan del amor y el desamor, convirtiéndose en un compilado de experiencias interpersonales que son una oda al crecimiento profesional y personal, como el funcionamiento de una maquinaria que pasa por la Electrónica y el Indie Dance como base esencial. Sonoramente fresco, Máquina Ying Yang propone cómo podría ser el futuro de la música colombiana. Es un álbum coqueto y seductor que suma las voces y el apoyo de varios otros artistas del país como Soy Emilia, Solo Valencia, Una María o The Virgina Valley. El disco presenta momentos de introspectiva calma y luego explosiones emocionantes que, sin embargo, no buscan reventar el rango dinámico de la producción, sino transitar nuevas dimensiones de un sonido que parece retro pero que amplía las posibilidades de la contemporaneidad sónica colombiana. Es un trabajo de una factura elegante y prístina. Un trabajo delicioso que funciona en distintos espacios de escucha, desde las copas previas a la fiesta, hasta el momento previo a un brunch con amigos cuando el sol está en su mejor momento.

El Kalvo – “Opaco bandido”

Como parte de su álbum próximo, Algarabías, el rapero bogotano vuelve al ruedo con una reflexión sobre el felino de su infancia. Es un ejercicio de storytelling emocionante sobre una base musical compleja en la que El Kalvo se luce como narrador, inyectándole personalidad a cada uno de los momentos de su delivery. Es un ejercicio en el que el rapero se desdobla en un gato de su recuerdo, jugando con la personificación conforme se mira a sí mismo y recuerda los días de su casa familiar, allá perdidos entre los amores adolescentes, la comida de la abuela y las celebraciones de cumpleaños y navidades. El Kalvo había presentado “Opaco bandido” con el lanzamiento del libro ilustrado de Algarabías, un álbum en malva y ocre que contó con el apoyo de ilustradores célebres del contexto colombiano. Así es que sus seguidores ya habían interiorizado esta historia pues, además, en el libro comparte otras reflexiones que se escapan del lanzamiento único del sencillo en plataformas. El Kalvo es uno de los mejores narradores del contexto colombiano. Un nombre a tener siempre en cuenta para la discusión del rap bogotano.

Mad Tree – “Inmerso”

Mad Tree es uno de los proyectos más longevos del nuevo rock bogotano. Fundada en 2013, el conjunto de Sebastián Izaciga y Nicolás Gutiérrez ha venido trabajando constantemente por reinventar las formas de nuestro género favorito desde la publicación de Centésimo humano. Con cada nuevo lanzamiento que ha robustecido su catálogo, la banda bogotana se ha convertido en un fenómeno en el que la fuerza del rock colinda con una inteligencia lírica que hace de sus canciones un sosiego y un refugio. Influenciados por el sonido extremo de los noventa, la banda no ha parado de conquistar audiencias, llegando al Vive Latino, a Rock al Parque y al Grito Latino en Costa Rica. Con dos álbumes en su haber y una serie de EPs de considerable belleza, el Mad Tree se ha posicionado como un acto vital para la capital, convirtiéndose en un referente central de la nueva movida colombiana.  Ahora, la banda regresa con “Inmerso”, segundo corte de su próximo álbum, luego de la presentación de su delicada “Pájaros” del año pasado. “Inmerso” presenta la historia de un ser que se encuentra sumido en reflexiones dolorosas. Añorando el pasado y prefiriendo la muerte antes de volverse a sumergir en la ilusión de su realidad, el sencillo define la introspección como herramienta de liberación del sufrimiento. Es un regreso al núcleo de la tierra del que nació el primer hombre, una balada delicada con un motivo hipnótico en la guitarra que nos guía hacia el final del viaje.